钱彤[1]2016年在《爵士乐发展在中国—都市文化与爵士乐本土化关系研究》文中进行了进一步梳理爵士乐自诞生以来,就以其独特艺术魅力和内涵吸引着全世界音乐爱好者的目光。20世纪20年代,西方爵士乐首次传入上海,在历经近半个世纪的繁荣之后,于20世纪50年代渐趋沉寂,曾风靡上海滩的爵士乐仿佛一夜之间消失在人们视野之中,但爵士乐那种即兴的演奏方式、悠然的曲调和那段流金岁月般的往事,早已和上海这座城市的文化融为一体,并在其不断发展及演进中,逐渐形成一种具有艺术特质的精神文化现象,影响着越来越多的中国民众。可以说,爵士乐在上海的繁荣,源于上海这座城市特有的艺术气息和海纳百川、兼容并包的文化特质,以及在特定历史时期,爵士乐和都市文化间的交错影响。20世纪上半叶上海的爵士乐已逐渐成为一种中西文化交融的产物,那种奢靡的风格和上海滩纸醉金迷的夜生活完美的诠释了这种中国化的外来价值观念。上海的本土化爵士乐虽然同样由钢琴、单簧管、萨克斯、小号、长号、低音提琴、和鼓、沙槌,等打击乐组成,但这些爵士乐以海派国语流行乐曲为主,同时融入东方世界的审美价值和艺术理念,形成了独具特色的本土化爵士乐。本文将从史料入手,从音乐学、音乐社会学、文艺学以及传播学等多角度探究爵士乐在中国的兴盛及沉寂的全过程,重点解析爵士乐在传入上海之后的具体演进历程,从中找寻爵士乐的内涵精神和传统海派文化之间的暗含关系,最终确立爵士乐在中国的本土化进程和中国传统文化间的内在关联,以及当代中国爵士乐对多元文化认同的诠释和演绎。同时,将实证与理论阐释相结合,立足原始文献,力图做到于文献的阅读和分析中发现并解决问题,从中找到爵士乐和都市文化之间的内在关联,在实证研究的基础上从理论层面解析爵士乐在中国本土化的历程。论文第一章概述了西方爵士乐发展历程及其本质特征,指出西方爵士乐艺术精神及美学特质对中国爵士乐本土化的影响。从美国南海岸,一直到遥远的东方大陆,爵士乐凭借其独特艺术魅力及多元化的传播方式,逐步深入到世界各个角落,并在20世纪20年代爵士乐首次传入中国上海,从此开启了爵士乐的中国化旅程。第二章以海派文化为切入点,在简要论述爵士乐在上海的演变及发展的同时,从美学角度探究爵士乐艺术特质与海派文化间的相互作用与影响,同时客观地对爵士乐在中国本土化的历程进行评价,同时并进一步论述爵士乐的艺术内涵及美学精神,界定爵士乐和流行音乐之间相互依存和包容的关系,把爵士乐自身以及影响爵士乐本土化的诸多研究因素作为本文研究对象,探寻爵士乐与中国都市文化之间的内在关联。第叁章将从具体的文本及社会文化事件之中,多元化地展示爵士乐在其本土化过程之中的审美及文化认同,概述爵士乐本土化过程中审美及文化变迁的脉络,并从中理清爵士乐本土化过程中的融创性。同时,对爵士乐在中国香港和台湾地区的发展历程进行简要梳理,进一步探究爵士乐在当代中国的复兴及其影响,从音乐传播学及音乐美学的角度解析爵士乐在当代中国复兴的整个历程。第四章进一步探讨中国爵士乐在当代的发展及变迁,从其美学特征及内涵为论述的切入点,解析中国爵士乐本土化过程之中的审美现代性发展问题。可以说,爵士乐在中国的沉寂和复兴都从侧面证明了文化价值理念和思维方式本身对于艺术形式的选择机制。本文将从接受美学和音乐社会学角度探析和解读爵士乐在20世纪20年代所引起的巨大反响,以及爵士乐在中国的隐匿和复兴的全过程,从更为深入的层面了解接受者的精神需求同爵士乐本身的内在联系,从中找出爵士乐沉寂与复兴的关键所在。第五章反思与展望:探究爵士乐发展的内在文化驱动力以及转型时期中国爵士乐发展的契机和挑战。从都市文化的语境之下,探讨爵士乐现代化和本土化的必要性,从文艺美学的角度重新审视爵士乐本土化过程中所形成的独特的音乐精神和美学特质。总而言之,爵士乐的起源以及之后各种流派的产生,都与大背景下的时代环境有着密切的关联,而在这一过程之中,都市文化成为爵士乐发展和演变的客观载体,在与古典音乐、民族音乐等多种艺术形式沟通交流的过程之中,爵士乐不断吸收各种音乐元素,对世界范围内的音乐传承起到重要作用和影响。站在历史的今天,回望爵士乐近一个世纪以来的迅速发展,我们能够感受到的不仅仅是这种西方乐曲带给我们的独特审美价值趣味,更能感受到一种独具创造力和生命力的音乐形式,这些客观的积极因素,是爵士乐得以不断发展和演变的重要驱动力,同时也是爵士乐本土化过程中所要吸收的重要元素。可以说,我们从爵士乐之中解读出的是人们对于都市内在文化的感知,其内在的包容力和释放程度是都市文化和爵士乐提供给人们对于这个时代的思索路径,透露着的是这个专属于都市文化的特有气息,我们从中体味到的甚至早已超越了音乐本身,在爵士乐的背景下,都市已经逐渐幻化成为了一个巨大的音符,演奏者属于这个时代的主题旋律。
陈永超[2]2011年在《吉他造型设计研究》文中进行了进一步梳理音乐是一种极富感染力的艺术形式,能够表达内心情感,反映现实生活。乐器是音乐表现的重要物质载体,吉他作为与钢琴、小提琴齐名的世界叁大乐器之一,能够通过其优美、细腻的音色表现多种题材和流派的音乐。人们对音乐艺术的欣赏已经不仅仅局限于对听觉的满足,多媒体技术的发展使音乐爱好者们能够欣赏到音乐的现场演出,感受到全方位的音乐美感。而在音乐艺术整体的美感中,乐器的造型越来越受到重视。然而,音乐作为一门整体的综合艺术,其内容和表现形式存在着必然的统一关系。吉他作为吉他音乐表现形式中的重要元素,其造型设计受到吉他音乐主题内容、风格特征等方面因素的制约和影响。因此,本文以吉他造型设计为研究对象,试图得出以音乐的风格特征为根据进行吉他造型设计的设计方法。本论文在查阅国内外相关文献的基础上,运用产品设计相关理论和方法,围绕吉他造型设计展开研究。首先文章介绍了吉他音乐和吉他的发展简史,并且介绍了吉他的多种分类,以及吉他的构造和吉他的材料等方面的基本知识。在此基础上,文章深入的分析了影响吉他造型设计的形态、色彩、装饰叁方面因素。文章在前期的基本理论成果上,论述了吉他音乐与吉他的关系,得出以音乐的风格特征为根据进行吉他造型设计的设计方法。并将这一方法应用于吉他造型设计实践,分别根据古典吉他音乐、爵士音乐、乡村音乐、重金属摇滚乐和拉丁音乐这五种吉他音乐的风格特征,提取造型语义,进行吉他的造型设计,给出设计方案,验证了根据吉他音乐风格特征进行吉他造型设计方法的可行性和科学性。吉他的造型与吉他的声音效果一样,都是表现音乐风格特征的重要形式手段。而且,吉他的造型设计是吉他作为乐器产品提高自身竞争力的重要手段之一,希望通过本课题的研究,能够为吉他造型设计的创新研究贡献些许成果,进一步促进吉他生产企业的创新和发展。
周杰[3]2004年在《爵士音乐的形态与观念》文中研究说明爵士乐是二十世纪突出的音乐文化现象，它的风格演化与时代的政治经济、文化观念、社会心理和伦理道德的变化密切相关。爵士乐的胚胎形态就可以说是不同文化碰撞与融合的结果，其即兴演奏和摇摆感等艺术特征都与非洲与西方文化的冲突与融合有着深层的渊源关系。长期以来，由于种种原因，国内学界对于爵士乐这种独特的外来音乐文化缺乏足够的重视，以至造成种种误解。例如，从形态上认为“爵士乐就是一种切分节奏的伴舞音乐”，或者在观念上仍然把它与“低级、媚俗”、“宣泄生理性情绪”联系在一起。随着音乐人类学等新学科及新的研究方法在国内的兴起，对爵士乐的认识已有很大的扭转。然而，不论在音乐形态方面还是文化观念方面，国内对爵士乐的研究还远说不上深入。 本文试图从上述两个维度对爵士音乐文化现象进行剖析，旨在说明爵士音乐的文化和社会属性，观测其实践主体随着社会结构的变迁而变迁的性状，解读其美学特征与批评话语，在我们这个“艺术终结”恐慌症流行的时代展望其新世纪的未来。
王璁[4]2014年在《“第叁潮流”之音乐风格特征及其影响》文中认为“第叁潮流”的概念是由美国作曲家冈特·舒勒(Gunther Schuller1925——)于1957年在美国布兰迪斯大学(Brandies University)的一个讲座上提出,最初的定义是指通过即兴与非即兴结合的手法将爵士音乐的元素融入到专业音乐创作中,其核心内容是“融合”。经过时间的推移与舒勒不遗余力的实践,这个概念被发展,同时也在延伸,其意义与涵盖已经超越了最初的对于一种音乐形态或种类的描述,更多的是关注于创作理念的扩展与音乐风格产生多元化的可能性。舒勒所提出的“融合”理念,似乎为20世纪下半叶众多的音乐流派与不同地域、不同民族的音乐语言结合指出了一个方向,为纷繁复杂的音乐现象提供了一个理论支持。当我们重新审视“第叁潮流”超过半个世纪的历程,会发现它与世界历史进程以及社会种种的变革等都有着密不可分的联系。20世纪50年代至80年代,各艺术种类走向“综合与包容”,尤其在专业音乐领域,呈现出“多元混杂”的形态。音乐艺术与现实生活等级和界限被慢慢消解,艺术遭遇通俗化,这些都是后现代主义艺术的典型特征。而这种消解,正是后现代主义所为。事实上,舒勒早于“后现代”这一概念出现前,已经在自己的作品中体现出这个特征,并且以“融合”作为其美学思想与创作理念的核心。笔者认为“第叁潮流”是音乐领域中后现代主义思潮的“先声”,预示了后现代音乐的特征,为“后现代音乐”的发展提供了理论与实践的双重可能性。因此,对于“第叁潮流”的研究,是发掘后现代音乐脉络,探索后现代音乐多元性的一个尝试。“第叁潮流”的“融合”理念为我们带来了创造新音乐语言或形式的可能性,使原本奉行“单一主义”的创作观念发生了变化,多元文化和音乐语言的渗透导致了音乐产生多元性的特征,不同层面的音乐表现手法在新观念的影响下可以找到新的途径与各种作曲技术之载体结合,产生新的音乐现象。“第叁潮流”带给我们的不仅仅是一种具体化的音乐,还有与之相随而至的改变人们观念的一股新的动力。本论文将以“第叁潮流”音乐为研究对象,通过对作曲家舒勒的创作思维、理念、意图、核心材料、技术手段等方面的分析,探讨其作曲技法特点并结合本人的创作实践,从音高组织关系、曲式结构、音响组合形式等角度出发,以现代与后现代美学思想为依据,完成理论探讨与音乐实践的统一。论述逻辑并非以“理论”为出发点例举“现象”予以说明,而是采用“从现象看本质”的态度,以舒勒不同时期作品音乐形态与特征为出发点论述其运用的技术与手法,虽然作品中具有某些相同的音乐语言,但基于不同且具体的演绎方式亦呈现出不同的结果。需要说明的是,爵士音乐理论与内容不在本论文的讨论范畴内。根据笔者所掌握的资料,虽然已有文献对“第叁潮流”的概念与历史成因等进行概括整理,但多数集中在对其作为音乐现象的描述,缺乏对舒勒所提出的“融合”理念及其具有特色的创作手法进行分析梳理的论述。因此,本论文在填补相关领域的视角空缺,揭示此类作品在理论层面与实践层面所展现出的共性与特性等方面可能具有一定的学术参考价值
钟雪晴[5]2016年在《爵士乐海报设计中视觉表现形式的研究》文中研究说明视觉艺术与听觉艺术是不同的艺术表现形式,两者之间却存在着许多相通之处以及审美共性。海报设计属于视觉艺术的范畴,表现的是一瞬间或是某一状态的定格,爵士乐作为听觉艺术,是一个流动的过程,如何把音乐流动的形式美感运用在海报设计中,又如何通过视觉形象来表现无形的音乐一直是艺术家和设计师们共同探讨的话题和创作的方向。音乐类海报设计从广义上来讲,也属于音乐视觉化的一种表现形式,在众多优秀设计师的创作下,它不仅能够起到基础的信息传达作用,更为重要的是,设计师们将自己对音乐的理解和感悟融入到设计之中,使无形的音乐有了视觉的表现形态,使无声的画面有了音乐的旋律和节奏。在本论文中,笔者通过对音乐语言和图形语言两者之间的共性进行研究和分析,探讨两者相互转化的基础和方式,为爵士乐海报设计的视觉表现形式研究奠定理论基础。爵士乐从二十世纪诞生以来,迅速发展成为风靡全球的音乐类型,具有即兴、自由的风格特点,笔者对爵士乐的听觉特征、爵士乐表演的视觉特征以及其音乐情感的传达进行深入研究,了解爵士乐自身的这些风格特点对其相关海报设计的影响和作用,以及二者在审美上的共通性。通过对在爵士乐海报设计上有突出作为的、具有代表性的平面设计大师作品的分析,探究大师们是如何将音乐语言转化为视觉语言的思维方式及其表现形式,如何用平面设计的语言来表现爵士乐的音乐特质,使之成为别具一格的视觉形象。进而尝试分析、归纳和总结爵士乐海报设计的视觉表现形式和风格特征,从而对爵士乐海报设计的艺术价值有更加深入的了解,对今后更好的欣赏、理解爵士乐以及丰富音乐类海报设计的表现形式具有重要意义。
陶孜[6]2017年在《从艾拉·菲茨杰拉的拟声演唱作品《How High The Moon》中探究爵士乐的律动》文中研究说明来自于十九世纪末二十世纪初,发源于新奥尔良的新型音乐形式爵士乐,至今已有百年的历史了。而拟声演唱,是用拟声的或无语义的音节来即兴演唱的一种歌唱技巧,它的难度就在于要求歌手用自己的声音去模拟乐器并要使之创造出旋律和带有律动感的节奏。被称为“爵士第一夫人”的着名黑人爵士女歌手艾拉·菲茨杰拉正是爵士乐拟声演唱的先驱代表人物,她似乎成了一座高峰,除了她精湛的演唱技巧之外,更在于她歌唱时传达出的那种自由的律动感。不管是拥有什么音色或是任何音域的一位爵士歌手,只要抓住了爵士乐的Riffs(即兴重复乐段),似乎都能唱出一种爵士味道,而最关键的就是在于是否能够把握好演唱中的核心主旨:Rhythm(节奏,即律动).之所以爵士乐有着与众不同的风格,有着让人们听了不由得为之愉悦、雀跃的独特魅力,可以说它所特有的律动就是影响这种独特风格的关键因素之一。对于爵士乐的研究,探索它的角度不仅仅停留在和声、调式调性亦或是常见的类似于旋律那些方面,它的节奏型,也就是律动的研究也应当是一个重要的环节,这样我们对于爵士乐的艺术风格才能有更好的把握,对于爵士乐的研究才能更加地道。
杜炜, 张理[7]2008年在《爵士乐形态特征研究》文中进行了进一步梳理爵士音乐自20世纪20年代产生以来,经过不断的演变,时至今日已发展成一种风靡全球的舞曲音乐,为广大音乐爱好者所接受和喜爱。本文试图从爵士乐的曲式、即兴演奏、摇摆感等方面去分析爵士音乐的形态特征,以对爵士乐有一个全面深刻的了解。
潘劲成[8]2014年在《我国爵士钢琴音乐教育的发展现状研究》文中研究表明爵士钢琴音乐起源于十九世纪末美国新奥尔良，是非洲黑人音乐和西方古典音乐相互交融的产物，爵士钢琴音乐以它特有的节奏、丰满的和声和即兴性演奏的特点深受世界人民喜爱。爵士乐是一种极富多元化特征的音乐文化形式，它与很多的艺术领域有着密切的联系。爵士钢琴不仅继承和发展了古典钢琴中的重要表现方式和技巧特点，而且形成了极其富有自身特色的新的表演形式，赋予了音乐新的内涵。爵士乐的节奏包括雷格泰姆（Ragtime）和摇摆（Swing）两种基本形态。它的和声几乎包含了多有的现代和声体系，它是现代音乐的典型代表。爵士和声绝大部分是建立在功能和声基础之上的调性和声。爵士钢琴音乐以七和弦为主的和声体系，演奏出的音效更佳饱满而富有感情，表达情感更加浓郁而新颖。即兴性是爵士钢琴音乐的最重要的特点之一，即兴演奏能力是衡量一个键盘手演奏水平的重要标准之一，也是爵士钢琴音乐的真正魅力所在。我国现代音乐教育运用的是西方音乐教育体制，无论是音乐艺术教育的理念还是相关的音乐授课内容，完全是以西方音乐为中心的。我国现代音乐教育对爵士钢琴音乐的艺术价值缺乏客观正确的认识，长期以来对爵士钢琴音乐始终持保守、不认可的态度。这对国内钢琴音乐教学中，演奏曲目的选择和课程设置的方向起了直接的引导作用。这种音乐教育体制的确定与实施也直接影响到我国音乐人才的教育理念的形成。随着中国社会发生的重大变革和西方近代文明的传播，爵士钢琴音乐已经成为一支势不可挡的文化潮流，对我国音乐教育的发展和变革产生了很大的冲击和影响。现代音乐与爵士音乐在未来的发展中必定要相互促进、相互交融，这是未来世界音乐发展的必然趋势，我国钢琴音乐发展的多元化趋势也正逐渐体现在钢琴教学的各个方面。目前我国音乐教育改革与发展处在非常关键的时期，一些爵士钢琴相关课程的开设，对探索爵士钢琴音乐的本土化发展有着重大影响和深刻的意义。引入爵士钢琴教学也是一种促进多元化教学发展与创新的有效途径，对现代音乐教育中爵士钢琴的教学实践和拓展多元化教学内容具有重要的启发作用。我们应结合我国爵士钢琴音乐在现行的音乐教育体制中的发展现状，向外国先进的教育理念学习，对国内音乐专业院校现有的专业设置和课程改革方向进行重新分析和调整，在基础课程设置、专业课考试内容、演奏实践等方面进行优化。注重于沟通与交流，与国际上知名院校建立长期合作机制，定期聘请国外优秀的专家学者到学校进行讲学和授课。也可以互派学生和老师进行有步骤的循序渐进的学习交流。任何一种外来艺术，想要立足于本土就必须与当地艺术相互融合，对自身的艺术形式和音乐元素进行不断地完善和提升，民族音乐与现代音乐相融合的创作方法已经在世界各地广为流传和使用。中国的现代民族音乐不仅保留着中国千年传统文化的精华，而且处处展现出中国现代文化的人文精神。我们应有目的有意识的学习爵士钢琴音乐，将爵士钢琴乐融入中国现代民族音乐中，为其发展注入新鲜的血液，形成多元化的艺术内容，这对中国本土爵士钢琴音乐的发展具有深远的意义。
李洁[9]2008年在《摇摆乐的风格特征与文化分析》文中研究表明30年代摇摆乐是爵士乐史上一个意义非凡的时期。本文的写作思路是通过对于摇摆乐时期音乐现象的分析,以及对于摇摆乐时期黑白音乐文化的融合现象的论述,从而扩大到对爵士乐中的其它音乐文化融合现象做出较为全面和深入的论述。序言是对文章选题意义和写作目的的阐述。正文分为四章。第一章主要介绍爵士乐初期的发展,目的是为了引出摇摆乐的产生,第二章详细阐述了摇摆乐的风格特征,第叁章是摇摆乐时期音乐表现的论述,主要通过这一时期具有代表性的叁个乐队做出分析,这一章的重点是最后一节对于摇摆乐时期黑人音乐文化和白人音乐文化的融合的论述,第四章是本文的重点。在前两章的基础上论述爵士乐中存在的各种文化现象,以此来说明,爵士乐早期的各种音乐文化是以各自独立的形态相“结合”在爵士乐中的,而到了摇摆乐时期,黑人文化和白人文化越来越多的交流,在这个过程中渐渐融合到了一起。从中看出摇摆乐在整个爵士乐发展中的重要地位。
樊倩[10]2012年在《利盖蒂《钢琴练习曲》第二册节奏分析》文中认为在钱仁平教授《黄昏过后是黎明》一文中曾把这3册《钢琴练习曲》看作是挽救20世纪“钢琴的黄昏”的顶峰之作。在这部《钢琴练习曲》中,不再以60年代音色的探索为主,而是重新回归于音乐旋律和节奏的写作。尤其在Book Ⅱ中,有复杂的织体、来自异国的复节奏、疯狂的速度以及他长期探索中的微复调,并在节奏重音中可窥见当年美国之行中“简约派”对他的影响。钢琴曲中左右手从重合——逐渐错位——再重合的节奏组合令演奏家们为之疯狂,利盖蒂指出他的《钢琴练习曲》是练习弹琴的脑子而非弹琴的手,可见这套钢琴练习曲难度之大,技术之高。本文将第二册《钢琴练习曲》作为研究对象,由五大章节构成。主要从音乐的节奏元素入手,对利盖蒂独特的节奏模式和节奏组织进行剖析,并以此为基础,透视出节奏组织与音高组织、织体组织和音响组织和之间的相互关联性,笔者将通过详尽的谱例分析,深入了解和把握利盖蒂晚期钢琴作品的节奏特点以及风格内涵。以下为本文每一章所论述的内容与重点：在第一章中,笔者把Book Ⅱ和Book Ⅰ作对照,归纳和总结出Book Ⅰ和Book Ⅱ在力度水平、织体层次、调式调性、音高体系、和声手法上各自不同的特点。在第二章中,笔者拟将BookⅡ中各种不同的节奏组织模式加以分类和归纳总结。在第叁章中,笔者拟将对BookⅡ中不同的节奏模式分为“协和节奏”以及“不协和节奏”加以论述和概括,对“不协和节奏”运用斐波拉奇数列的方法进行分析,在整个节奏模式的分析中笔者是立足于节奏——节拍这个二元关系的角度加以讨论的。在第四章中,笔者侧重于音乐的节奏元素,同时结合了音高、力度、织体、音响等多方面音乐元素对结构力的“构形”作用进行解析。在第五章中,笔者将对影响利盖蒂练习曲BookⅡ中各种风格性音调、和声、节奏等形成的音乐方面的因素,以及结合对大师本人造成客观影响的童年、绘画、文学等非音乐方面的因素进行全方位的分析和阐释。
参考文献：
[1]. 爵士乐发展在中国—都市文化与爵士乐本土化关系研究[D]. 钱彤. 东北师范大学. 2016
[2]. 吉他造型设计研究[D]. 陈永超. 昆明理工大学. 2011
[3]. 爵士音乐的形态与观念[D]. 周杰. 南京师范大学. 2004
[4]. “第叁潮流”之音乐风格特征及其影响[D]. 王璁. 上海音乐学院. 2014
[5]. 爵士乐海报设计中视觉表现形式的研究[D]. 钟雪晴. 北京服装学院. 2016
[6]. 从艾拉·菲茨杰拉的拟声演唱作品《How High The Moon》中探究爵士乐的律动[D]. 陶孜. 郑州大学. 2017
[7]. 爵士乐形态特征研究[J]. 杜炜, 张理. 华商. 2008
[8]. 我国爵士钢琴音乐教育的发展现状研究[D]. 潘劲成. 河南师范大学. 2014
[9]. 摇摆乐的风格特征与文化分析[D]. 李洁. 河南大学. 2008
[10]. 利盖蒂《钢琴练习曲》第二册节奏分析[D]. 樊倩. 上海音乐学院. 2012