为“黄宾虹热”降温——浅谈山水画的传承与时弊，本文主要内容关键词为：时弊论文,山水画论文,浅谈论文,黄宾虹论文，此文献不代表本站观点，内容供学术参考，文章仅供参考阅读下载。
国画界的“黄宾虹热”已经有些年头了。近年来，有愈炒愈热之势。有趣的是，在全国第十届美展前，某国画界权威机构为了帮助年轻画家顺利入选参展，还特地举办了创作培训班（学费颇高）。学员们研习的山水画大多是黄宾虹风格。结果参选时纷纷落马。据说仅有一位入选，此君画的还不是尽然的“黄派”风格。看来评委们毕竟还是有眼光的。
我不知道落选的学员们当时的心境如何？他们之中有些应是地方上的高手，为什么不去深入生活写生，寻找自己的艺术语言，创作与时俱进的新山水画呢？何必去追“黄派”之风呢？显然与时下的“黄宾虹热”和误导有关。
这使我想起了一件陈年旧事。那是1985年的秋天，我为学院的国画培训班学员上课。学员是来自全国各地，有工艺美术厂的技术人员、厂长，有美术馆美术干部和中等学校的教师等。当时我带领大家在香山写生。一日，五、六个学员把我围住，其中一位学员以非常郑重的口吻对我说：“老师，我们有个问题想请教您。我们大家觉得您人很直爽，希望您能认真回答我们。”当时的气氛十分严肃，我笑着说：“你们干什么呀？这么紧张，有问题就问吧，我是有问必答。”为首的学员说：“请您谈谈刘海粟、石鲁的画好不好？石鲁的画是文革前的好，还是文革后的好？”我立刻告诉他们：“刘海粟的画画得不好。石鲁在文革前画的画非常好，文革后的画和字都不好。”令我意外的是，这些三、四十岁的学员高兴地象孩子一样，几乎雀跃起来。我问他们何以这样高兴。他们告诉我：他们原来的看法与我一样，可是社会上的吹捧风之盛令他们对自己的看法产生了疑问。学员们也曾请教过其他老师们，老师们的看法也与社会上一样，所以他们就没有自信了，开始怀疑自己的认知能力。此次我给了他们一个简单而明确的答复，增强了他们的自信心。学员们称赞我敢讲话，不怕得罪人。我告诉他们：在学术上，不存在什么得罪人不得罪人的问题，要讲学术真理，要讲艺术良心。我作为师长，要讲真话，这是我的师道尊严。
我曾多次与志同道合的朋友谈起这段往事。大家都对国画界学术问题混乱深感不安，深感为人导师责任重大。
转眼间十几年过去了。近两年《美术》杂志开展关于美术作品艺术标准的讨论，对促进新时期美术创作起到了积极的作用，但是具体到国画山水的艺术标准的论述则鲜见（或许我没看到）。许多年来，我感觉国画山水缺少有分量的主题性作品。
前几年，我曾去中国美术馆看全国美展的获奖作品展，发现国画山水作品中缺少描绘祖国名山大川和我国地大物博，不同地貌特征的作品，许多名家和年轻作者表现的题材多是些小景雅趣。或许他们画的是名山一隅，是我看画不仔细，没看明白。但有一点是很清楚的，大多数画家疏于造型，因此作品往往很难使观众分辨地域的差别。我想美协主办全国性大展，即使是山水画肯定也会有主题性要求的，但从大多获奖作品来看，显然是力不从心。获奖作品尚且如此，时下流行的追求笔墨情趣的空泛之作便可想而知了。
邵大箴先生说的好：“近代中国山水画衰退的原因之一，是因为画家只在前人的作品中讨生活，只注意笔墨情趣，忽略了在描绘中与客观物象对应的真实与形似，因此，使津津称道的笔墨趣味失去具体实在的艺术感染力，也失去画面应有的视觉效果。”我想邵先生所说的，不仅指出了清末、民国年间山水画的弊病，同时也指出了近年来山水画存在的问题。
常识告诉我们，绘画艺术属于造型艺术，而且是平面造型艺术。绘画是通过描绘出的形象来与观众交流的。不管你是西画还是国画，也不管你是什么流派，无论你用什么颜料或采用什么表现手法和技巧来画，都是要通过造型过程来完成的。国画的笔墨，西画的笔触，都是为造型服务的。造型能力为绘画第一要素，应是不言而喻。不注重造型而侈谈“笔墨”是导致山水画表现力差，路子越走越窄的主要原因。作为导师、长者理应正确引导年轻人去深人生活写生，提高用“笔墨”造型的能力。但使人遗憾的是，正是有些长者、导师、权威（起码职务上是）正在导演着“笔墨至上”的神话。时下的“黄宾虹热”便是一例。
陈瑞林先生在日前谈时下“黄宾虹热”的文章中，担心一些人通过神化黄宾虹，“确立自身的话语霸权，将‘传统’、‘笔墨’定于一尊，作为表率、典范、正宗、主流来号令四方。”
我看表率也好，典范也好，正宗不正宗，能不能成为主流，一个艺术家最终是要靠自己作品说话，而不是靠官本位，一旦下了岗，号令也就没人听了。学术问题还是需要讨论的。
我认识黄宾虹作品应是在六十年初，那是在故宫绘画馆《近百年中国绘画展览》上。齐白石和黄宾虹作品按年份陈列在最后，当时我只觉得黄氏作品与众不同而已，没有什么特别的认识。随着习画渐长，尤其是开始画山水以后，慢慢喜欢欣赏黄氏作品。但只是欣赏、品味而已，从来没有临摹过。
黄宾虹先生大部分时间生活在清末、民国年间，他是一位受人尊敬的学者、美术史论家、鉴赏家和画家。人们介绍黄氏作品时，总是习惯地把他一生作品大致分为两个阶段：一是他六、七十岁以前，这时期的作品多以临摹古人为主，但他不照搬古人，多有变化，画面造型疏疏落落，显得很灵动，不呆板。但这时期的作品，因为是以临摹为主，即使有所变化也不能称为是个人风格。六、七十岁以后，据有关专家介绍：黄老先生多了游历名山大川的机会，对大自然和生活的感悟，使画风变得浓重起来。直到晚年形成了浓重的“浑厚华滋”的风格。我比较欣赏黄氏晚年作品中，直面即是山的那种画面。画面中有树木、山、石和点缀其间的建筑物。他以“锥划沙”式的短线条和不同笔触的大小点子来塑造物象，运用笔墨则是浓、淡、干、湿并用。他淡化物象之间的轮廓线，使物象你中有我，我中有你，浑然一体，而在物象和点、线之间留的空白或是“飞白”则犹如光斑在闪烁。这类作品整体感极强，表现出一种前无古人的意境——朦胧美感，即是人们常说的《暮山图》或《夜山图》。我注意到他用笔是点、线、面相结合，即使是表现面，也不用渲染的方法，就连着色也是一笔笔点上去。因此，物象表现感觉深厚而丰富。我也曾见过黄宾虹先生用淡墨为主的作品，他先以稍重的墨色表现前景的树木、庙宇，远景大面积的山，用淡墨的短线和墨块来塑造，既深远又厚重。无论从技法或从视觉效果来看，都不能不说是一种创造。黄先生的焦墨画也画的十分精彩，线条苍茫老辣且灵动，很有量感和空间感。
对于一个画家的风格和成就，美术界历来褒贬不一。对黄氏艺术持异议者大有人在。我接触过的北京老一辈画家大多已相继离世，他们中有的把黄氏艺术说的一无是处，显然有些偏激，带有门派之见。
据说宣传、推崇黄宾虹艺术从40年代就开始出现了。那时黄老已是八十高龄。傅雷、高万吹、朱金楼、王伯敏相继写评介文章，其后又有刘海粟、赖少其等人。在我看来黄宾虹先生能享有今天的盛誉，该与李可染和张仃两位先生的影响力有直接关系。李、张两位先生是中国新山水画的开拓者，在国画界举足轻重。他们的推崇不能不引起美术界的关注。
我十分有幸，年轻时就开始与他们交往，聆听教诲，学习到许多知识。我也曾向他们请教过对黄氏艺术的看法。他们有一个共同点——推崇黄氏的创造性，认为黄氏与那个时代流行泥古、因袭的画风不同。认为黄氏笔墨功力深厚，运用积墨法，浓、淡、干、湿并用，虽然墨色很重，但晶莹剔透，把物象表现得很整体，产生一种“浑厚华滋”的美感，是前无古人的。我对此表示赞同并提出自己的看法，我认为黄老疏于造型，画的黄山、雁荡山和桂林都差不多，没能表现出地貌特征。两位先生或是笑而不语，或是笑着，说我的说法要求过高。
对于一个画家成就的评价，有时的确要放在特定的历史时期去评价。但对于后辈学习者来说，又要站在今天的视角来认识，否则会盲目追随。毋庸置疑，黄宾虹的确是一位有创造性的画家，他有些好作品创造出的意境也是前无古人的。但我又不能不指出黄先生造型的弱势。黄先生习画从临摹入手，而且六、七十岁前大致如此。我看到他的写生作品，大多是记忆构图之类的图解式稿，没有表现出对景物深入刻画的造型能力。由于黄先生造型能力的弱势，阻碍了他把自己独到的“笔墨”优势，运用到表现丰富而具有个性的物象中去。因此他的作品地域不分，面貌单一就是必然的了。有人说他的作品还是有变化的。我看这种变化是微乎其微，视觉效果都差不多。这种地域不分，面貌单一的问题，不仅存在于黄氏作品中，同时也存在于许多过世的名家甚至被奉为大师级画家的作品中。“一套笔墨横扫祖国大江南北”的现象很常见。这不能不说是山水画的一种悲哀。
也许会有人反对我的说法：“国画讲写意，国画与西画的造型理念不一样。”
众所周知，白石老人有句名言“妙在似于不似之间”。这似乎成了侈谈“笔墨”和“写意”者的口头禅。在我看来，或许有些“写意”画家并未知晓中国画“意象”的含义。白石老人的名言并没有错，老人家深知“意象”造型的绝窍，他的“墨虾”的造型和笔墨无疑是国画“意象”造型的典范。但老人并没把问题讲透。一个“似与不似”把初学者弄糊涂了，却又给了坚持“笔墨至上”论者以口实。你说我画得不像，我则解释为“写意”，到后来还说你不懂中国艺术。在“意象”造型的解释上，李可染先生一语道破玄机。李先生曾对我说，“中国画造型要设计”。妙极了！我的理解是要在观察写生的基础上，赋予物象一个新的艺术形象，它既不是原物的翻版，也不是造型不准的肆意夸张和变形；而是要求画家运用笔墨塑造出一个既能把握物象本质特征的，又能体现画家个性特征的艺术形象。显然，能做到这些要求，不是件轻松的事。比玩弄几下笔墨趣味要困难的多。其实那些侈谈“笔墨”的人，也未必真懂“笔墨”的含义。我不是在危言耸听，据说，在八十年代，日本画家加山又造访问某最高学府，国画系派代表与会座谈。加山先生表示对中国水墨画非常敬佩，他说自己也画，但画不好。他经常听中国画画家谈笔墨问题，想请教一下“笔墨好”的定义。在场者居然回答不出，一时成了美术界笑柄。
最近两年，我有机会参予一些主题性山水画创作，接触了一些同行。发现有许多人一接触实实在在的主题就乱了阵角。这些同行往往速写都画得很好，造型能力很强。但这种造型能力一旦转换为用“笔墨”造型时便失去了控制，笔法、墨法依然是古人、前人的，面对真山真水束手无策。画出的画依然是程式化的老样子，把握不住主题物象特征。在我看来，这是在如何继承传统上出了毛病。他们在把继承的传统“笔墨”，转换成物象现实的造型过程中出现了问题。
对于如何继承传统的问题，我十分赞同王仲先生的新提法：“如何传承传统”。“传承”二字对传统明确了选择性和疏导性。
李可染、张仃两位先生都十分重视传统。他们最清楚该从传统中学习什么。传统中优秀的“笔墨”被他们吸收并加以改造，形成自己的艺术语言，运用到深入生活和写作中去。他们都十分注重造型，开创了一代新风，成为新山水画的领军人物。
他们推崇黄宾虹的艺术成就，是为了倡导黄氏的创造精神。李先生坦言从黄氏作品中汲取了“积墨法”，但他用线是“屋漏痕”而不是黄氏的“锥划沙”。他用的“散笔点”也与黄氏点法不同。张先生则是用“一波三折”的线条来塑造物象。他们是艺术上的智者。我与二位先生七十年代即相识，交往不算过密，但也不算不深。我从来没有听说两位先生要学生们去临摹黄氏作品，摹仿黄氏风格。这说明两位先生深知对“传统”应如何传承。
徐悲鸿先生对继承和创新问题有很好的见解：“古法之佳者，守之，垂绝者继之，不佳者改之，未足者增之，西方画之可采入者融之。”我斗胆把徐先生的名言改一下：“古法之不佳者，弃之，未足者分析之，佳者垂绝者继之而后变化之，西方画之可采入者融之”。
黄宾虹先生虽然有创造性，但对于五十年后的今天，用时代的眼光来看，他有“未足者”。后辈学习者应分析，哪些可学，哪些不可学。即使是“佳者、垂绝者”学了以后也应变为自己的东西。我认为这样才能传承好传统国画，开创新面貌。
明清以来，国画界对所谓“文人画”的宣传和推崇，有点儿过头，除去“文革”时期，这种宣传和推崇可以说从来没有间断过。近几年则把“文人画”捧上了天。甚至有人认为“文人画”是中国画的主流，似乎是唯一值得尊重的传统。由此派生出来的逸笔草草，不求形似，追求笔墨趣味的倾向大行其道便是自然而然的事了。
最近在中国美术馆举办《黄宾虹国际学术研讨会暨系列展览》。几位国画爱好者看过以后对我说：“黑乎乎的，没什么好看的，分不清是谁画的。”他们不是美术专家，也不是没有文化修养的观众。他们的话，从折衷一点儿的角度讲，也应是有道理的。“黑乎乎的一片”该是“黄宾虹热”的负面影响。
引导学生，年轻画家走好艺术道路，作好对传统的传承工作是老师、长者的责任，更是身居美术界要位者的责任。 —
然而一位美术界位高权重的先生，在强调“国画”界定标准时居然说：“国画大师黄宾虹说：中国画舍笔墨而无它。”我不知道黄氏是在什么前提下说的，但我感觉这话不像出自一个“大师”之口。但我又记得黄宾虹也曾说道：“欧风东渐，心理契合，不出二十年，画当无中西之分”。黄氏的两句话哪句对呢？我看都不准确。但我从两段话中看到了两个黄宾虹，前者是保守偏执的，后者是开放豁达的。这位先生又指出：“‘构图’、‘构成’和‘色彩’都是外来语，是西方的概念，而我们中国画是有自己的概念的，它叫‘经营位置’，叫‘随类赋彩’。这种概念的混淆是不容忽视的……”多么滑稽的说法呀！看来我还要补充一句：“你们以后说‘笔墨’时，千万不要说‘线条’二字。‘线条’二字进入现代语言中不过百十来年，中国画自己从来的概念是‘描’！”我还想请教一下：“画国画是不是应该头梳长辫，身穿长袍马褂才可以动笔呢？”可笑之极！
在学术上，我不喜欢不懂装懂的人，更讨厌那些懂装不懂的人。在我眼里，那些懂装不懂的人有搞学术腐败之嫌。在美术界常有这种情况：你批评他不好，他可以说你不懂，领导过问，他说是学术流派之争，似乎学术流派之争即可掩盖真、善、美和假、恶、丑之间的区别。有位朋友说的好：“其实他们就是要借‘学术之争’来搅混水。”绘画艺术在辨别是非时，的确没有象科技那样经纬分明，但绘画是有标准的，无论是国画还是西画；无论你是人物、山水或花鸟；无论是工笔、简笔、写实、写意或装饰性的；也无论是水墨或重彩的，它总有一个好坏的标准秤。这标准秤存在于每个专门家的心中。这杆秤有时准确，有时失误，它的砣，我称之为艺术良心！陈瑞林先生在谈时下掀起“黄宾虹热”时指出：“恐怕是为了迎合某种潮流，某种时尚，是为了获取某种实际的利益。”我看此话颇有意味。不过在我看来：一个六十岁左右的国画画家，他的艺术成就基本上是大局已定（像齐白石、黄宾虹那样的老年、衰年变法者实属罕见）。这与个人天分和努力是分不开的。自己不行，就承认自己不行，好好调整一下心态。不要打着“回归传统”之类的旗号，拉大旗作虎皮，去拉山头，造声势，最后贻误年轻人，贻误美术事业。
“三个代表”的重要思想中的“先进文化”的含义，体现在美术事业上，我理解应是“与时俱进”。我们这一代人已进入花甲之年，除了要努力创作一些“与时俱进”的好作品外，还要作好传承工作。不应引导年轻人在古人、前人的圈圈里转，更不该引导年轻人在创作时摹仿什么风格，应该大力倡导深入生活写生（写生本来就是山水画的好传统）。大自然是丰富多彩的，也是千变万化的。她有许多美感需要我们去挖掘、去表现。传统“笔墨”只有在写生的过程中进行垂炼，改造，才能形成自己的艺术语言，从而创作出“与时俱进”的具有个性特征和内容丰富的新山水画。李可染先生曾说过“要为祖国山河立传”。我以为这应是山水画的主旋律。