论美国的艺术产业_艺术论文

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导言

在这篇文章里，我总结了20年来我和其他研究者对美国艺术产业文化经济研究所得出的比较清楚的阐释。我将把这些发现绘制成一个主流经济框架——产业组织模式，简称为“IO”。为了使之更清楚，还需要做更多的和进一步的研究来完善这一框架。我将召集我的艺术和经济领域的同事协助完成这项重要的、雄心勃勃的事业。

(一)产业组织模式

IO原创于已故的乔·贝恩(Joe Bain)，他的精典著作——《产业组织》——出版于195 9年。通过使用IO，贝恩开始在经济学范围内将宏观经济(把经济作为一个整体来研究) 和微观经济(消费者、生产者和市场理论)结合起来进行研究，以便能更好地理解这个“ 真实的”世界运转的方式。

IO计划包括四个部分，第一，一种产业面临的保持供给(生产)和需求(消费)平衡的基本的条件。第二，一种产业具有的结构或组织特征。第三，在调整和适应特殊的、不断改变和演进的市场时，在一种产业中的企业倾向采取的典型的运作或行为模式。第四，一种产业达到有关当前的社会—经济—政治目标的、不同的运作水平。

(二)基本经济术语

这里有四种经济术语将被使用。第一，买者和卖者在地理市场或/和以大宗商品为基础进行货物和服务交换。第二，企业是不管有没有希望赢利都要进行生产活动的实体。如此说来，这样的企业包括营利、非营利和公共企业以及私营个体企业。所有的企业都拥有供不应求的资源，并且要向股东和/或公众和董事会负责。一个企业被定义为，由一个共同所有权授权对总资产和生产进行单一管理。第三，对一组共同的购买群体来说，产业是一组相关替代品的销售者。例如，汽车产业。第四，一个部门是一组相关联的产业，例如，汽车、航空和铁路产业组成运输业的各个部门。在这方面，部门和产业通常交替使用，例如，交通部门或交通产业。

(三)艺术产业

为了有利于实证，艺术产业，或者更恰当地，“艺术部门”，包括所有的营利的、非营利的和公共的企业、合作的和不合作经营及私有个体企业：

1.用一种或多种艺术品包括传统、文学、媒体、表演或视觉艺术——直播或录制—— 作为主要的生产要素，例如，广告、时尚、产业和产品的设计以及互联网、杂志和报纸出版。

2.在消费中依靠一种或多种艺术品作为“捆绑商品”，例如，家庭娱乐硬件和软件等。

3.生产一种或多种艺术品作为它们的终端产品，例如，它们创造、生产、分配和/或收藏艺术商品和服务。

使用这种定义，艺术产业可以被看作所谓的“文化产业”所构建的诸多圆圈之一的一个圆心或者广泛定义的艺术和文化产业。对经济术语“捆绑商品”进行解释，一个例子就是“穿孔卡片”计算机。没有这种技术卡的技术支持，纸浆、报纸和出版产业的计算机连续输出操作就不能进行。计算机和卡片是计算机产品的捆绑商品。同样地，如果存在一个家庭娱乐硬件市场，像照相机、电唱机、电视机等，就一定会存在一个视听软件市场，如录音带和录像带等，它们是在消费方面紧密相连的捆绑产品。在这点上，家庭娱乐中心可能是继房子和汽车之后，被一般消费者持久购买的第三大消费品。同样地，私人收藏的视听软件包括电视机、电唱机和录像带构成美国文化财富的巨大的主干。

(四)买方责任自负

这里有四个固有的论证，第一，它是基于十年的研究发现汇编而成。因此，大量的证据需要更新。第二，这些论证是不完善的，当时，整个IO框架工作尚未完成。在对许多实例的研究中，需要利用证据，但是我还未找到它们。对其他的实例还没有进行初步的研究。第三，这些论证假定了一种包括实用艺术、娱乐艺术和“艺术至上主义”在内的、广泛的艺术定义。最后，这是一个经济学家所作的论证。总体上，在专业范围内，关于经济学和艺术的定义并没有一个一致的意见。

一、基本条件

IO模式需要摆在产业面前的、有关保持经济平衡的供给方和需求方的基本条件的信息。这里仅考察两个方面。对于供给方，要阐释知识的经济含义，尤其艺术作为一种以知识为基础的技术。对于需求方，要考察对艺术的共同需求。

(一)供给

经济学认为，生产包括三个主要方面：资本、劳动和技术。随着时间的推移，对这三个方面的理解已经改变和扩展。今天，普遍地认为，在资本和劳动方面的改变和提高其中包括在国民收入中占25～30%的教育，已经超过上个世纪[Lithwick]。这种巨大的增长也归因于技术。

在新古典主义经济思潮时期(大约从19世纪70年代到20世纪30年代)，经济学家第一次印证了“无实体的”技术变化所反映的通信(例如电报和电话)和运输(例如蒸汽、电和蒸汽机)方面普遍的进步。在凯恩斯主义时代(大约从20世纪30年代到80年代)，物理学对战争的研究扩展了经济学家的视野，使之看见了实体技术的变化所反映的、包含在特别商品内的、新科技的特别小方面，就像晶体管收音机里的晶体管。然而，直至目前(1 998)，一直有一个常数：我们真的不知道为什么有的东西发明出来了，有的却没有被发明。而且，有的被引入市场，而有的却没有，这已经被称为“我们经济无知的测度”。

我曾在其他地方强调过，我们在经济上的无知部分(66～75%)地归因于科技的狭窄的定义(Chartrand,1989,1990,1992b)。这一词汇源自古希腊单词techne，其含义为“艺术 ”，逻辑上的意义为“推论”，也就是推论的艺术，以此类推，相对于古希腊具有表达系统知识含义的“科学”，英文单词“艺术”的含义是，在操作或应用中获取的经验性的知识和形成的技能和工艺。应用和知识系统之间的反馈，导致了“学习”或教育，从推论的意义上说——这种反馈显示出某些人对某些事情的理解超出了他自身的理解力。在这一意义上，在以知识为基础的经济中，是应用新技术导致了技术的变化，并且构成 “认识论的”或以知识为基础的技术变化。

今天，经济风景被三个主要的、交互的人类知识领域所主导：即自然科学和工程学(

NSE)，社会科学和人文科学(SSH)，艺术(Chartrand,1992)。当它们应用于现实世界，所应用的领域便产生了以知识为基础的科技的变化。

相对于传统的工业经济，每一个领域的上升都好像高山比之于低地和峡谷，每一个领域都有它自己的历史和工业的基础，每一个领域都达到了自己前所未有的顶峰——制度的和特性的。对于自然科学和工程学以及社会科学和人文科学来说，传统制度的顶峰是大学。对于艺术来说，是艺术学院、制造公司、音乐学校或学院。研究给一个领域带来增长，当研究得以应用，它所反馈的结果就是，知识下一次如何更好地被应用。

国与国之间的知识领域制度化各不相同，在英语国家，比如加拿大设有一个加拿大艺术评审委员会、社会科学和人文科学研究评审委员会以及一个自然科学和工程学研究评审委员会。在英国，艺术、工程、人文科学、自然科学和社会科学各自有独立的委员会。在美国，设有一个国家艺术基金，一个人文科学基金，以及一个包含社会科学的国家科学基金。

总之，以知识为基础的技术变化包括一个或多个如下的变化：主要出现在自然科学和工程学方面的新商品、服务和提高的生产过程；主要出现在人文社会科学方面，表现为提高的管理方法和实践，整合资金、人类、信息和自然资源的更高效的和人文的途径；主要出现在艺术方面的新美学，具体表现为更好的设计、更富魅力、更有创意的广告和智能化的市场商品和服务。这些就是在以知识为基础的经济中“价值增加”的主要源泉 (chartrand,1989)。

(二)艺术共同需求

关于特殊艺术商品和服务消费的社会经济特征，已经有了大量的研究。例如现代舞、博物馆和电视。但是，把普通消费者的艺术要求作为一个知识领域进行研究则几乎没有。这些年，我进行了五个部分的框架研究，以此来划分市场对艺术的需求。在这些框架中，存在着五个艺术消费动机。每一个动机催生出一种独特的产业，这些产业拥有工厂和设备、智囊团、特别的保留剧目，以及由个体、公共、私人和非营利消费群体(参观者、赞助商或捐赠人)组成的市场。所有的五个部分通过观众(需求方，因此称之“共同需求”)和资本、劳动和科技(供给方)之间的沟通而相互联系。

这里有三个术语需要阐释，首先，“娱乐”指的是19世纪英国提出的概念，它的涵义是工人在自由时间恢复工作体力。这与指在自由时间发展消费技能、特别是鉴赏技能的美学“休闲”概念(Chartrnd,1987)相差甚远，最后，慈善的行为是指无私地奉献财产、智慧以及为非营利的或公共的事业工作。

1.业余艺术

业余艺术是由包涵一个人的自我文化底蕴在内的自我表现、自我教育和自我认识推动的。它很少关注观众的喜好，更多地发展自我表达和自我理解。在小学、中学和大学期间就有业余艺术实践。就是在业余艺术中，手工艺术制作最先砺练了艺术天才，培养了广见博识、富有鉴赏力的观众。

业余艺术是学校公共部门的一部分，是像业余剧院和管弦乐队这样的业余和公共机构中非营利部门的一部分，也是通过私人教师和教练来营利的营利部门的一部分。它提供了四种经验：艺术教育，即如何进行艺术创作的教育；通过艺术进行的教育，即将艺术作为一种理解世界和解决问题的独特途径；消费者教育，即让消费者认识广告的质量— —商业的和政治的，以及产业和产品设计；治疗——提供身心治疗。

2.应用装饰艺术

应用装饰艺术包括广告、建筑和城市设计、工艺品、珠宝和时尚以及产品和室内设计。一定程度上，它还包括时尚休闲理念的运用。对美学和功利价值的结合的挑战刺激了生产。从乐观的一面来看，它为人类贡献优美环境，这种阐释尽管简单，但是生动，或者可以说“它提供了最好看的作品”。从建筑物到城市规划，从产品设计到生动的广告，从企业形象到时尚设计，应用装饰艺术可能被极大地普及，给整个艺术劳动生产力中 45%的艺术产业部门带来巨大的经济冲击(Chartrand,1996)。

3.娱乐艺术

娱乐艺术生产娱乐和消遣，在娱乐艺术中，美国引领世界潮流。据报道，在美国娱乐项目(电影、录音产品和电视)是继国防产品的第二大出口网络(The Economist March 1 1,1989:65-66)。

娱乐艺术被电视、电影、音乐、录像和印刷媒体等集聚的全球化营利媒体所统治。199 8年，世界上5个最大的公司的税收合计为450亿美元，占全世界范围2500亿美元娱乐市场的18%(National Telecommunications and Information Administration,1990)。这 5个公司之一的美国时代华纳公司，就在1988年出现了一个重大的兼并活动，吞并和外资所有权都增加了。然而，在我看来，近来，对于广播、电信、电影、出版和录制产业的全球化兼并和整合，并没有更广泛的研究。

4.美术

美术是被“艺术至上主义”所推动的。它是艺术产业的主要研究和开发部分，它关注人类状况的本质——关注个体和社会。

在美术中，新的天赋和技巧得到了发展，新的作品和纪录被创造，新的形象和时尚被确立。美术的研究探索的结果，如同科学研究一样，有时也会被艺术产业内外的营利企业所利用。而且，在纯科学中，美术在资金上是不能自我支持的。它主要依靠公共和私人的赞助支持。在自然科学中，如果一次试验失败了，必须做1000次新试验。失败是艺术和科学的特权——一种需要耐心和冒险的特权，由部分赞助人、发明家和观众来承担。

5.传统艺术

作为当代艺术的遗存和为/由下一代保留的过去的创作，传统艺术包含业余艺术、应用和装饰艺术、娱乐艺术和美术。它反映了当代艺术的创设标准和创作者的精神理念。通过包含社会凝聚和连续性意义在内的美学价值和稀少价值的结合，传统艺术产生了“丰富的硕果”。因此，传统艺术把我们带回从前，提醒我们，我们是谁，从哪里来，到哪里去。然而，它也会向当代的创作者伸出代表过去的阻挡的手，这些创作者必须不仅要与国内外的艺术前卫竞争，而且还要使自己的作品经得起时间的考验。

从1969到1989年间，传统艺术得到了最高的投资回报(The Economist,July1,1989)。更有甚者，盗窃古代艺术品成为最有利可图的国际犯罪。在质量相等的前提下，一件古代艺术品可能比毒品更值钱，它能产生高回报，而且被抓获的风险很低，一旦一个人被证明有罪，坐牢的时间也会很短(Chartrand,1992a)。

二、产业的结构和组织特征

产业组织模式的第二个方面是产业的结构和组织特征。这里仅考察了两个方面。第一，概述艺术产品周期的五个阶段。第二，估计艺术产业的统计数据。

(一)艺术创作周期

自然科学由三个基本的学科组成：心理学、化学、物理学。艺术由四个学科组成：文学、传媒学、表演学和视听艺术学，每一种学科有不同的传播形式：文字书写、声音和 /或图像录制、现场表演、视觉印像。

每一种学科由不同的分支和学派构成。每一种艺术产品都有五个制作周期：创意、制作、流通、消费和储存。还有许多对每一种艺术学科的各个阶段性的特别研究。这里仅提供一种普遍性的看法。

1.创意

在全部的四个学科中，艺术家倾向于独立和感觉。他们不太适合进入“技术结构”(

Galbraith,1968)，除非这种组织的自身是艺术的，就像交响乐、舞蹈或剧团或建筑设计公司(Galbraith,1973)。广告业、广播业、动画业和录音业正在扩大和联合。艺术家和管理者之间的协调问题，由那些雇用演员、作曲家、作家、舞蹈演员、导演、制片人和编剧的小代理公司解决。它的合作伙伴仅仅提供广告、广播、市场、展览和/或生产工具。

在文学和视觉艺术里，创意过程有独创的倾向。独创的作家、画家的想像最接近真实。用手写或绘画的作品，一旦完成就会立即被消费掉，例如，这种消费就包括读或看。艺术工作的创意和生产过程也如此。

传媒和表演艺术是解释说明的艺术，而且创意过程集结在生产过程中。一部戏剧，通常首先需要创作剧本或者乐谱，但是只有通过像演员、舞蹈演员、音乐家、美工和技术队伍以及导演、指挥和制片人这样的阐释艺术家们的努力，才能搬到舞台上。这种分化的“创意”来自“阐释的”艺术。

在所有的学科中，一些艺术家以个人公司的方式或以小股份参与大公司的方式出售他们的产品。有一种特殊的替艺术家进行管理的代理产业，由销售商、代理商组成，为那些个体经营的艺术家打理税收、缴费用、检验、计划报表。

2.制作

独创艺术家的生产是相同的。在文学艺术制作中，出版印刷是大量生产的第一发动机，并且“它的王位的稳固”是版权的第一经营权。出版商像一名守门人，监视着市场可售性，然后投资编辑、印刷、制作、发行和/或销售。

在视觉艺术中，除了包括表演艺术和环境艺术在内的可以在固定场所进行创意的艺术，创意倾向于发生在工作室。创意也会为一项已经完工的艺术产品(除了取景)做好销售或展示的准备。不像文学艺术，编辑经常会对一部作品进行润色，视觉艺术是很少会被别人编辑润色的。

阐释艺术中的制作也是相同的。在媒体艺术中，制作需要剧本和/或配乐甚至一个生产动画片、广播、电影和录音的工作室。工作室一般归合伙的制造商所有，出租给独立制片人。制造商像守门人一样，监视着市场可售性，然后投资编辑、印刷、制作、发行和 /或销售。然而，不像其他学科，在媒体艺术中，版权最初归属于联合管理制作媒体艺术作品的制造商或合伙人。

阐释艺术家给生活带来媒体艺术作品，这类艺术家可能存在于诸如乐队、管弦乐队或剧团之中，或者在以往的基础之上单独开办类似“音乐人工作室”的艺术机构。它还需要技术精湛的能够操作设备和维护创造服装、背景和道具的艺术人员。是这些人为媒体艺术制定了“制作标准”。

表演艺术一方面需要编剧和配乐，另一方面也需要进行戏剧、舞蹈或音乐现场表演的舞台。舞台属于营利的或非营利的监制人或剧团经理所有，他们可以把演出设施出租给独立的公司或供自己内部的演出公司表演。剧团经理也像守门人一样，监视着市场动态，然后在编辑、生产管理、发行和/或销售等方面进行投资。在媒体艺术中，技术精湛的艺术人员要操作设备、保养服装，创造布景和道具，为表演艺术制定制作标准。

值得提醒的是，目前，媒体艺术给阐释艺术家们提供了一些仅仅被已故的文学家和视觉艺术家欣赏的过期的表演艺术。不会再出现第二个理查德·伯顿，但是他的形象、声音和他的表演将是永恒的，就像他在莎士比亚戏剧中的表演。然而，也一直存在着“现场”艺术对“录制”艺术的传统的怀疑。在19世纪20年代，诞生了艺术至上主义运动。新的录制媒体出现了，它包括钢雕板、照片、录音和运动图片。这些事物开发了新的税源。在20世纪，跟在这些大量的新媒体之后的是收音机、电视和录像机。

这类怀疑反映在对录制的可替代性和现场艺术的争论中。观众在创造优秀的艺术作品中起作用吗?鲍莫尔认为在观众和表演者之间存在着一种格式塔，它反馈和创造的审美经验基本上不同于录制带来的审美经验(Baumol & Oate,1972,1974,1976)。另一方面，塔洛克认为，“录制”艺术产品不可能带来审美的愉悦，但是它可以超越精品艺术品拍卖的小范围，进行大批量销售，提升整个社会的艺术欣赏水平(Tullock 1974,1976)。

阐释艺术家的职业不稳定性和天分的差异，共同导致了产业劳动关系的一种与众不同的模式。因此，不像其他产业，艺术协会和职业联合会规定的成员比例倾向于最低而不是最多。

3.流通

传统上，出版商通过系列专营连锁书店批发和零售文学艺术作品，在上个世纪，邮购成为直接针对公众阅读的流通手段，今天，世界范围的互联网成为把文学艺术作品直接奉献给读者的另一种手段。

在媒体艺术里，制造商通过一系列的音像专营连锁店和电影院进行批发零售，甚至通过广播、有线电视、卫星以及世界范围的互联网进行销售。

媒体艺术品流通需要一种“家庭娱乐中心”或简称为“HEC”的消费资本用品聚集地， “家庭娱乐中心”可能会包括“个人电脑”。但是，它还没有被证实是继房子和汽车之后一般美国人持久购买的第三大消费品。媒体艺术消费品的资本强度刺激了硬件生产厂家和媒体艺术软件公司之间的从生产到销售各阶段的纵向联合。好莱坞和日本的录音室所选用的录像带产品的结果显示，像索尼这样的电子消费品生产巨人，在与松下公司的录像带产品商战中，它所生产的Betamax录像带最终败给了松下的VHS。为了保证在消费硬件生产上的长期扩大投资，这类公司认为它们必须控制消费媒体软件产品的格式标准。

在表演艺术中，流通需要一种舞台。这可以简单到仅需在一个俱乐部或者酒吧里搭一个小台子，或者在公园里用肥皂箱搭一个台子。甚至也可以复杂到使用各种复杂的设备进行大规模的演出，这些设施包括计算机灯光、宽广的舞台、特殊效果机器、音响系统和供服装、道具设备使用的背景设施，以及表演者使用的更衣室。艺术表演设施与巡回演出紧密相连，这样的巡回演出可以跨州、国家进行，并且可以到世界各地巡演。

在视觉艺术中，流通是通过零售商举办的展览，以及画廊和博物馆等形式完成的。在一般情况下，一个零售商可以掌握一批或者可以说是“稳定的”艺术家，这类零售商能够鉴别视觉艺术表达的特殊形式和流派，并且把握其特殊的市场定位。

4.消费

艺术消费与其他商品和服务的消费不同。一件艺术品不会由于消费而贬值或质量下降。从本质上来看，艺术消费更多的是精神上的消费而不是物质上的。这在不同类型的消费者身上都有反映。在文学艺术中，消费者是“读者”，在媒体艺术中，是“听众”和 /或“观众”。

艺术消费的精神本质已经导致一些研究者质疑处于主导地位的有关消费者行为的传统信息处理模式，即把消费视为消费者带着问题来寻求有关解决问题的最好信息。这种传统的信息处理模式忽视了包括游戏、休闲、感官愉悦、白日梦、好奇、审美享受以及情感反映等在内的“享乐主义”现象(Holbrook,Hirschman,1982;Holbrook,1987)。艺术最丰富的来源是好奇和当代的精神需求。许多广告文案创作者和执行官已经发现，商业的成功基于艺术的经验。纽约既是世界的戏剧之都又是世界的广告业之都，这难道仅仅是巧合吗?

5.储存

艺术不同于科学。在艺术领域，新东西不必替换旧的。储存和保护过去的作品的重要性在艺术产业中远远超过其他产业。需要用特殊的技能、专门技术、工厂和设备来保存过去的作品，并且需要设立包括档案馆、图书馆和博物馆在内的独特的遗产艺术产业。

在文学艺术中，保护是通过档案馆和图书馆实现的；在媒体艺术中，保护是通过特别的视听和广播档案馆和博物馆完成的；表演艺术是通过保留剧目来保护作品的，例如，《哈姆雷特》；并且还需要通过特别的档案馆和博物馆来收藏演出设施、道具、服装、剧本和节目单。在美术艺术中，保护是通过设立美术馆和博物馆来实现的。

艺术保护的关键一面是个人艺术品的收集，包括视听录制品、书、精致家具、固定设施、绘画、照片(例如在最流行和广泛传播的业余艺术、家庭摄影中拍摄出来的)和雕像。当拍卖行和“跳蚤市场”的重要作用被重视，这样的私有艺术收藏品和文化物品就明显地构成了美国文化财富的重要贮藏部分。

(二)评估

测量艺术产业的规模有两种数据评估方式：即按照1982年美国经济和1989年产业分类标准制订、由美国的商业部颁发的基线输入/输出矩阵(SIC)，这两个方式都出现在我19 92年对美国教育协会分类研究涉及到的美国艺术产业中。这是输入/输出矩阵第一次被用于描述艺术产业。它是测量艺术和美国经济之间关系的最好方法。

SIC数据来源于由国际知识产权联盟授权的特别研究——美国经济中的版权产业——(

Siwek,Furchtgoff-Roth,1990)。与其再发明一个轮子，不如我在研究中对这种数据稍加修改接受它，使用标准产业分类的评估标准评估美国艺术产业。

1.艺术因素

在评估美国艺术产业时，所遇到的问题之一就是艺术遍及美国的经济。我们如何从利润中分离以艺术为基础的经济活动?一个办法就是应用“艺术因素”。其他的还有，

Siwek和furchtgoff-roth使用美国版权办公室评估的每一种产业经济活动中的著作权成分。

无论如何，著作权提供了评估艺术产业的部分方法。一个更完善的因素是应该对隐含在注册产业的设计和商标做出说明。例如，可口可乐的资产报告单上，包括了良好资产部分设计独特的瓶子造型(产业设计)和公司商标。像著作版权和根植在艺术知识而不是专利科学知识中的版权都是知识产权。不幸地是，并没有人对产业设计或商标进行评估利用。因此，在这一例证里所使用的艺术因素仅仅是基于艺术经济活动中的著作权现象。有两种评估方式：总产值和净产值。总产值报告总的经济活动，而净产值仅仅报告通过著作权要素评估与艺术相关的活动。

有些净产值的评估结果可能高，因为不是所有的版权经济活动都必须与艺术相关，比如，计算机程序的著作权。有些净产值的评估可能会表现得低，因为这些净产值没有包括注册产业的设计和商标的价值。

另外还要说的是，包括纺织、服装、家具和毛皮商品在内的“实利”产业，与很多像出版和电影这样明显的艺术产业一起，受到阿尔夫雷德·劳德·马绍尔的观察报告的支持：“——人们艺术才能的发展是其自身发展的最重要的目标，并且正成为产业效率的主要因素……不断增长的财富使人们能够购买各种满足好奇心的服饰，而把穿的权利放在了第二位。因此，在每天被售出的各种各样的服饰和家具中，真正被售出的是它的造型。”(Marshall,1920;177-8)

2.产业分类标准

例如，使用产业分类标准对美国的产业分类，1989年，美国的艺术产业至少占所有产业的6%并且占国民生产总值的8.5%。美国的所有货物和消费服务不必都产自美国。在美国商业部排名的美国经济10个主要收入部门中，艺术产业排在第6至第7位。这10个收入由高到低排列的部门是：(1)制造业；(2)服务业；(3)金融业；(4)政府部门；(5)交通和公共服务业；(6)零售业；(7)批发业；(8)建筑业；(9)农业、林业和渔业；(10)采矿业。

3.输入和输出

输入和输出矩阵报告了在经济中每一种产业和产业之间的货物和服务的使用(输入)和生产(输出)情况。1982年，艺术产业创造了3040亿美元的总产值，占国民生产总值的9. 6%。艺术净产值为1620亿美元，占国民生产总值的5.1%。

经输入/输出矩阵确定，艺术产业产值位列医药业、教育业、服务产业之后排第5位，在77个私营产业中紧排在石油产品之后位列第10。按照同样的测量标尺，艺术产业对弥补美国的世界贸易逆差至少贡献了13%～45%。最后一个事实看起来有点奇怪，包括电影、录音和电视节目在内的娱乐项目是继国防产品之后的美国第二大出口产品。由于进口 “品牌商品”，像主要从欧洲进口的阿玛尼套装(Scitovsky,1976)，以及从日本和其他亚洲国家进口包括电视机、声像带、扩音器等在内的家庭娱乐设备“捆绑商品”，结果使娱乐项目的出口更多地抵消了进口这些艺术相关商品造成的逆差。

三、市场行为

产业组织的第三个方面是市场行为或企业为适应市场演化而采取的调整和管理模式。这里有两个问题需要探讨。第一，要考察为艺术产业组织提供法律基础的版权。第二，要对艺术产业中研发(R&D)的非同寻常的性质进行考察。

(一)版权

多种类型的法律——成文法、法规、刑法——影响着艺术产业的市场行为，这些艺术产业包括广播和有线电视的许可、审查和版权。一方面，法律可以阻止一定类型的经济活动，例如，不信任法，维持再售价格、掠夺性定价、内部处理，等等。另一方面，法律可以开创从前所有的市场，例如，事实上，市场资本主义的演化是以财产的法律定义的变化和合法买卖的法律定义的变化为特征的。总之，经历了两个半世纪，有关财产的法律定义已经成熟地从精神的事物走向“无形”和“权利”(commons,1924)。

1.概念和起源

版权和知识产权的其他形式——注册产业设计、专利和商标——应正当地受到保护，并且，这种保护成为人类创造力的诱因，否则，版权和知识产权就会被其他人自由使用。作为回报，创造者希望他们的作品有用，并且在市场上卖出。但是国家鼓励创造，却不是要培育有害的市场权利，因此，对权利的时间和空间做出强制限制。许可权有固定的时间限制，并且保护也只固定在实物创造上，即，理念是不受保护的，除非它转化成物质形式。因此，版权内部存在着固有的矛盾。这种矛盾反映了新教改革和旧教改革中期的英国历史上都铎王朝和斯图亚特王朝时代的版权起源。为了阻止异端著作重印，国王召集印刷商，并授权许可他们印刷正统著作，即版权。应该牢记的是，在出版印刷业创新的时代，作为大批生产的第一发动机，出版印刷创新所产生的热望远远超出现时代收音机、电视、卫星通讯和国际互联网所产生的热望。

版权于是开始作为王室授予印刷商的特权和王室检查制度的手段。只是在1710年，随着安妮王后法令的颁布，作者才获得了一些权利，甚至这些权利也是明确地均衡版权“ 所有者”的权利的(MacDonad,1971)。到了今天，创作者的所有权利都会因与版权拥有者签订合同而失去。法律条文规定，在一次性补偿之后，创作者的权利就没有了。这就是“覆盖性特许”。这种覆盖性特许剥夺了一个艺术家对一部作品后续开发的所有权利。

因此，在大多数情况下，创作者不能把作品直接卖给公众。他们宁愿把作品卖给或授权给市场中介商，像零售商、雇主、出版商或制造商。这些中间商像守门人一样，监视着有市场竞争力的作品，接下来进行投资生产、做广告、促销和/或发行。版权共同所有者买下了创作者所有的或一部分的权利，然后从这些版权中开拓出许多税源。

我们来考察这样一本书，它写于印度，通过销售或版权许可，被排成戏剧在伦敦西区剧院上映。然后该剧在好莱坞又被搬上了银幕，有关它的录音带、T恤衫和玩具产创于台湾。接下来这部电影又在意大利的电视中上演，电影录音在加纳的收音机中播放。电影中的时尚和造型激发了慕尼黑设计师的灵感，他发布巴黎时尚预测。俄亥俄的家具制造商被许可制造模仿电影中的家具。有一本关于电影结局的书写于纽约，而该部电影却拍摄于加拿大的萨卡斯通。即便如此，所有相连的收入都源自这本最初创作的书的版权。普通作者拥有的设置价格的契约权或对这部书保持的剩余的权利却是有限的。

2.国际差异

这里有5个截然不同的创造者权利法律惯例证明了这样一个事实，即作为文化产品著作权就是一种法律规定，首先，在英国惯例中，著作权是一种“公平处理”的限制性概念，它仅仅免除很少一些特殊的伤害性用途，“王室所有权”也存在于政府公布的所有文件中。

第二，美国的法律惯例包括两个部分。第一，著作版权是一种公平使用的文字概念，它避免了许多伤害性的非营利使用，其中包括私人复制。与英国法律惯例不同，美国没有“王室版权”，即政府文件和代办的文件是不受版权限制的。第二，对国内制作商的特许优惠惯例。早在1909年，就不允许非英语著作在美国出售，除非在美国印刷(

Hanson,1973)。从1909年直到20世纪80年代中期，美国著作权法案中的制造商条款特别规定，任何美国人写的书如果在美国印刷，就只能在美国销售。这就有效地阻止了在巴黎出版的亨利·米勒的书在美国销售。这种惯例继续授予美国创作者一定的著作权法案以外的权利，但这些权利仅仅适用于美国人。

第三，是欧洲和日本的民法惯例。按照这种惯例，创作者的权利是其固有的和不可剥夺的。有一些权利决不能被合同所转换。法律不允许合作者拥有与创作者相同的权利。相对于英国和美国的版权惯例，版权拥有者拥有有限的权利。

第四，以伊斯兰法律为基础的独特的伊斯兰版权惯例。伊斯兰的版权根源于可兰经和伊斯兰教记载的先知默罕穆德的箴言。这种传统的伊斯兰法律被伊斯兰逊尼派视为权威，但是却被什叶派拒绝。逊尼派的一个相关的说法是，哪怕一个人死了，他的三项作品也不能终断，这三项作品：一是继续进行的慈善事业；二是有益的技术秘诀；三是有价值的儿子。其中“技术秘诀”被看作产生持续的利益，超出了作者的生命极限。

早期伊斯兰法学家意识到版权保护和防止盗版。与今天书写的法律文件不同，传统的伊斯兰版权视版权侵害为伦理行为，即道德行为而不是犯罪行为。侵权者会受到舆论的谴责，同时使家族蒙羞。像声名狼藉的萨尔曼·拉什迪事件就是一个例子，它告诉人们，如果写了这样一本被认定有罪的书，作者会遭到什么样的后果。仅仅在最近几年才规定了正当著作权的地位，比如沙特阿拉伯在八年前做出了如此的规定。

第五，是原始继承权。这是基于集体主义或公共的创造概念之上的。对于一个种族来说，一首歌、一部故事或小说不属于个人而是属于整个集体。通常是每一代的母系血统继承人享有继承权。

3.外部权利

首先，芯片保护法案提供了与版权相似的对集成电路片的保护。但是它仅仅对美国的制造商提供这种保护。同样，新工业设计法案同样仅提供权利给美国居民(Andrews)。

第二，原始继承权是外部权利。例如，公法第101～601条规定：1990年的美国原住民墓葬保护与赔偿法案，将墓地艺术和艺术作品列入“不可剥夺的公共财产”。这一权利甚至扩展到包括故事和神话。

第三，1990年的视觉艺术家权利法案，给“可认知雕塑”的创作者提供了特别的权利，这包括阻止破坏他们的作品的权利。加拿大的著作权法也授予创作者与道德权相同的视觉艺术保护权利。

第四，在加利福尼亚，视觉艺术家享有后继销售所有权。一个年轻的艺术家早期低价销售的作品，在其艺术生涯成熟的时候，这些早期的作品也升值了。而收藏者通过再一次卖出这些作品而获益，艺术家却什么也得不到。这一法案确保艺术家可以从所有再次销售的早期的艺术品中获得一定百分比的利润返还。

两个国外的例子证明，外部权利不仅仅适用于美国。首先，加拿大授予图书作者和图书馆公共借阅权，公共借阅权让公众从图书馆获益却由作者承受销售损失。公共借阅权补偿给作者一笔联邦基金。补偿是有上限的，因此，没有一个作者能拿很多。补偿限于给加拿大人，并且直接给创作者。

第二，爱尔兰免除本地创作者的版权收入税。这种免除仅适用于个人，而不适用于公司，其结果是招揽了许多创作天才，他们支付销售税和其他税，弥补了公共财产支出税。另外，这样的天才丰富了国家的经济文化生活。

(二)研究和开发

在艺术产业中，研究和开发是不同的。首先，自然科学与工程学和社会科学与人文科学的研究是以大学为中心的；艺术产业则不是。这反映在给大学的联邦补贴上。1992年康奈尔大学化学系教授罗阿尔德·霍夫曼曾经询问该学校的科学联邦基金和艺术联邦基金的比率是多少，回答是500∶1(Hoffmann,1997)。艺术研究也不能从这样一些形式中受益：产业和大学之间的合同合作以及私人基金资助的目标研究，或大学里的企业研究机构。

艺术的研究和开发最初发生在非营利的“精细”艺术中，在这里最新的技术和天才被发掘出来，新的纪录和分数产生了，新的形象和时尚被确立。像纯科学研究的结果一样，艺术研究和开发的结果有时被艺术产业内外的营利企业采纳，研究的结果能够激起全社会范围内在设计、时尚和造型上的改变，例如：在本世纪早期出现的新艺术和装饰艺术。

关于艺术产业。研究开发的私人支持，有证据证实，不断增长的商业为加利福尼亚的高级艺术学院提供支持，并计划在加拿大设立动画片制作训练机构。不幸的是，唯一的比较数据却是相当过时的。在1984年，商业周刊公布了对美国16个主要产业的比较分析。在这16个产业中，只有娱乐产业没有研发投入，一项最新的比较分析却是过期很长时间的。

大学在专业发展中的作用很小(Busch,1985;Robinson,1982)，并且在从艺术学院毕业和获得专业地位之间存在着巨大的教育鸿沟。艺术是通过动手做学到的，是经验的结晶。古老的工艺手段、学徒身份和大师课程支持着产业革命，并且保留了艺术专业训练的最有效的方法。

四、业绩

产业组织的最后一个方面是产业的业绩或产业所取得的社会经济效益。有三个方面需要考察：成本弊病；文化筑造学；艺术对人类身心健康的贡献。

(一)成本弊病

世界范围的研究证实，艺术产品(包括现场的和录制的)存在着成本弊病。首先，当今，如果要现场表演莫扎特的协奏曲，那么进行排练和演出所花费的时间与莫扎特当时花费的时间是一样的。在其他产业中，通过NSE和SSH技术就可以代替、弥补这种花费，或更好地刺激工人的劳动生产率，在不提高其他商品和服务价格的前提下，提高工人(每一个在职的)的工资。

在现场艺术中，通常是不能使用NSE或SSH艺术替代品的，这种替代品也不能令人满意。以音乐为例，使用NSE技术，用现代小提琴表演莫扎特的17世纪协奏曲，卡耐基大厦的舞台视觉效果和音响效果要好于肯尼迪中心的。使用SSH技术，今天的音乐学校要花费与天才莫扎特所需要的相同时间来训练学生。

实际上，现场艺术是没有生产的产业，在生产成本增长和票房收入之间存在收入差距。弥补这个差距的一个方面就是艺术家的劳动，在传统上比其他职业工作少的艺术家，需要同样多的年月进行“第三期”教育和培训。某种程度上，艺术家的低工资已经被经济学家所谓的“精神收入”所补偿，也就是对工作的热爱。

对于非艺术职员，像管理者、后台技工、办公室职员、技术人员和其他的支持员工，也必须支付相关的有竞争性的工资。最终，不论艺术家多爱这份工作，票价不可避免地要上涨，除非差距被拉平。过去，王室和教皇填平了这一差距，所以他们被称为“艺术家赞助者”。今天，赞助者变成了政府部门和慈善机构。

从经济学上观察，赞助者的目的出于服务自身(Boulding,1973)。他们主要有两个动机：保护我们集体的特殊的文化历史，或者保护他们自己的和/或选择的当代文化创意。仅仅由于报酬很少，最近迪斯尼公司取消了传统动画片《美女与野兽》，美国现场艺术研究开发协会等艺术家团体对此断然反对。

第二，对包括广播、动画和录音等媒体艺术的研究显示，媒体艺术同样存在着成本弊病，例如，对电视来说，大约10%的预算是用于传输，而对传输受益最大的来自NSE技术的改变；60%的预算是用于节目，然而像现场艺术至少也会从录像带技术的改进中获利。而新的NSE技术的进步正开始极大地促进生产率的增长，也就是每一个观众的花费下降了。一旦这些生产率得到提高，媒体艺术就会承受同样的成本弊病。在计算机行业存在同样的情况，快速下降的硬件成本是由更缓慢下降的节目成本造成的。劳动密集型节目不可避免地成为主要的成本因素，媒体艺术和计算机产业因此是初级生产产业。

成本弊病的结果是“科技审美的进步”。在经济萧条和低迷时期，艺术产品生产规模的增长是由于收入的下降。在经济上升和繁荣时期，实际收入的增长导致艺术产品生产规模的缩小，例如，“个人展览”。因此，在经济的繁荣和艺术生产规模之间存在着正相反的关系。

(二)文化筑造学

构造板块学的地理分析论主张，马克思和市场之间的冷战已经被语言和宗教基础上的文化冲突所代替(Huntington 1993：22-49)。有一个例子，就是巴尔干地区的克罗地亚人、塞尔维亚人和穆斯林同属于一个种族，说着同样的语言，仅仅因为信仰不同而争吵不休。至于艺术，在艺术和社会的内部以及它们之间，语言和宗教正进行错误的排列。例如，自由表达和宗教之间的冲撞，多元文化主义和主流文化之间的撞击。这样的三个构造板块还包括：意识形态、法律、地理学。

1.意识形态

意识形态是政治经济系统的基础。它继续成为相信艺术公共基金、信仰自由市场和尊奉慈善事业三者相互冲撞的分裂力量。参照国际水平，在美国和那些保护自己艺术产业的国家之间有一种相关的冲撞。许多国家强调，艺术品和文化商品及服务承载的价值不仅仅是使用功能，就像一个咖啡壶、一辆汽车或一个银行账户。因此，它们鼓励生产包含自己国家价值和信念的艺术产品。这种主张激化了正在进行的关于关贸总协定中的“ 文化霸权”和“道德律令”的争论。在国际贸易中，所有的国家都有权禁止进口危害公共道德的商品和服务。例如，伊斯兰国家禁止裸体图像进口，而美国则禁止进口儿童色情书刊。

2.法律权利

在意识形态之外还有法定权利板块，民法中创作者的权利概念有别于公法中的版权概念。法国和美国在世贸组织中的论战，反映的不仅是国家主义的敌意，而且是法律哲学的冲撞。美国想要欧洲将个人的道德权利扩大到公司，遭到欧洲的拒绝。在关于谁是创作者的问题上，发展中国家和工业化国家之间也存在着对话。在与贸易有关的知识产权协议(TRIPS)的导言部分，包括共同体知识产权。与贸易有关的知识产权仅仅包括个人的或合作的知识产权，除非企业提出申请。这一限制包括所有种类的知识、在理念和知识领域的创新生产。

另一个法律板块关系到原始遗产权。在艺术团体中“占有”的问题已经成为一个痛苦的问题。一些艺术团体接受原著民自己的文化遗产的所有权，另一些艺术团体相信，如果艺术家拒绝自己的文化，将丧失丰富、重要的人类文化(Chartrand,1996b)。

3.地理学

最后一个文化板块包括地理学，特别是人们的地域迁移率。例如，从一个大陆或国家向另一个大陆或国家的大规模的人口迁移或移民运动。来自不同大陆、种族、不同语言、宗教的人民联系得日益紧密，形成多元化的社会，像澳大利亚、加拿大和美国，既保持着母国的文化，同时又拥有移民者带来的外来文化。这种移民的结果就是艺术和艺术形式的传播以及在图书馆、媒体、表演和可视艺术方面的多元表达的增长。

(三)人类生态学

艺术产业作为一种特殊的人类所有，塑造了人类的精神和自然环境，同时也被人类的精神和物质环境所塑造。

1.精神环境

人类的精神环境是由建筑家、设计师和城市规划师塑造的。他们是社会的可视生态学家。如果建筑师和设计师关注当前，那么收藏家关注的就是过去，规划师关注的就是未来。是建筑师和设计师创造了我们城市的空中艺术轮廓线，设计了我们的服装，建造了供我们购物的商厦，拍摄了我们谷类早餐食品包装盒上的照片。从我们的家和家具，我们开的汽车，到我们工作的场地和我们在此祷告的教堂以及庙宇，从福兰克·劳埃德· 莱特到德国表达大师再到包豪斯运动对国际风格的影响中，建筑师和设计师们看到并确信好的设计可以改变世界。他们想有助于我们的世界或有助于我们感觉世界多元部分的正确秩序(Hillman,1981)。建筑师和设计师构成了全部艺术劳动力的45%(Chartrand,19 96b)。

2.自然环境

在精神环境之外，还有充满着让我们如何彼此对待和规范我们自身形象的价值观念、形象和态度的自然公域。正在进行的有关媒体中的性和暴力的对话，就是艺术规范人类自然环境的例子。一方面，有一些人主张，媒体中的性和暴力是被允许的精神放松的宣泄方式，可以减少反社会的行为。另一方面，有一些人主张，媒体培育和鼓励反社会的行为，创造了“精神传染病”。

从一个福利经济学家的角度来观察，就会发现有两种社会行为。第一，人们并不是发自内心地愿意从事繁重的劳动即工作，只是不得不做。第二，与工作相反的活动。人们对进行这种活动很满意。它们依次是，首先，反社会的活动，从折磨别人、给别人带来痛苦中获得快乐。社会支出通常超出社会收益，因为收益是短期的，而带来的痛苦却是长期甚至是永久的。其次是，对任何人没有任何强加的精神负担和危害的活动，并且还会给所有的人带来快乐。它们包括人类最良好的和有价值的活动，比如爱、学习和艺术 (Scitovsky,1989)。

结论

作为一个经济学家，我的意图是证明美国艺术产业的概念。我和我的同事们通过对美国文化产业20多年的研究，为教材提供了一套美国主流经济“产业组织”框架构图，并收集了部分相关证据，作为一名公民，我的意图是很明确的。

如果美国艺术产业的概念已经被证明，那么，它带有重要的启示。首先，它有助于解决职业艺术和业余艺术、当代艺术和传统艺术、高雅艺术和流行艺术以及营利艺术和非营利艺术之间的传统的冷淡的紧张关系——我称之为“种族隔离”。它显示每一种艺术都是伟大的艺术的一部分，并且极有潜力整合成一个艺术整体。

第二，它向将公共的、私人的和博爱的艺术联合起来的艺术策略迈出了第一步，像那些很多政策连贯的部门，比如商业、环境、政府、健康保护、科技部门。通过允许艺术适用当代社会经济公共语言与这些部门进行联系，将会增强公共对话。

第三，它有助于解释从产业经济向知识经济的转化意味着国家的财富会向上增长而不是下降。只是经济并不意味着农业、渔业、采矿业或制造业的结束。正如马斯洛的需求理论所说，经济发展是一个增加的过程，不是削减的过程，是满足人们需要的手段。在经济学中，它意味着处于国民收入边缘的知识产业将会增长最快。同样，“在边缘”，意味着来源于知识产业的单个增长将是巨大的，它在国民收入中的增长将会极大地超出其他相关产业。

新经济的两个重要中心是艺术和自然科学及工程学。自然科学和工程学提供媒介，艺术提供信息，社会科学和人文科学提供社会内容。计算机、光缆和卫星如同古希腊任何一个空荡的戏剧舞台，需要操作者、舞蹈演员、导演、剧团经理人、音乐人、美工、编剧、制片人、雕刻家以及技术高超的艺术和科技队伍来完成他们的使命。在今非昔比的现在，我们有更多的舞台而不是戏剧，有更多的媒体而不是信息。

最后，在这个世纪，自然科学和工程学从空间上——一个世界、一个生物圈和一个种族——带给我们对地球的未来展望。下一步，艺术必须为这一新展望去雕塑人性的面具 ——这种面具将把敌对的世界转化为艺术家和人类所有知识领域的创造者济济一堂的神圣空间。

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论美国的艺术产业_艺术论文

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